Témoignages d’élèves

Témoignages d’élèves


Ateliers de Mouvement Dessiné

Philippe : « … Merci Marine de nous avoir conduit à dessiner presque à l’aveugle et en même temps à la confiance tranquille. Ca tord la forme, ça la déforme mais ça en donne l’esprit et ça c’est précieux. »

Ateliers de Mouvement Dansé

Carole : « … De la joie à l’idée de m’exprimer par l’expression corporelle avec d’autres personnes inconnues, et de la joie de faire parler un peu de colère, puis de partager le jeu, je-nous. Recharge d’énergie et de couleurs. Du bon vent dans nos voiles, je me suis sentie accompagnée dans ce travail sur soi par tes paroles et tes rythmes. »

Isabelle : « Merci d’organiser ce genre d’activité ici au fin fond du Gard… ! »

Stages

Claire – 2024 : « Le temps que décantent tous les chemins imprimés lors de ce stage d’exploration,  si riche, si nourrissant, si apaisant (…) A force de s’être pris quelques falaises nous commençons à mieux maîtriser nos techniques de vol, ce fut si bon de tenter de les peaufiner. C’est comme si s’offraient à moi de nouveaux chemins. Merci, Marine, pour ta bienveillante, discrète et néanmoins forte présence, ta guidance dans nos méandres, en toute sécurité. »

Notes – 2023

Notes – 2023

Dans mon travail pictural je questionne

la couleur, la forme, le support,

de la toile au papier,

de l’étendue colorée à la forme évanescente qui affleure.

La forme se délie, se libère, se précise, se transforme et parfois même s’enracine.

Le geste libre invite la délicatesse du trait et le jeu sensible de la vibration colorée où le mouvement se multiplie se mêle et s’affirme.

Ça joue, je joue, entre tendresse, clarté, ivresse, exigence, dérapage, accident, laisser-faire, surprise, féminin, antre et clameurs.

Je peins et je transmets, dans le cadre d’ateliers réguliers, auprès d’adultes et d’enfants, des ateliers d’expression plastique et de Mouvement dansé ; ou parfois la danse rencontre le dessin.

Je suis Peintre et enseignante devenue transmetteuse d’ateliers d’expression plastique et de mouvement

Marine Duboscq.

Notes – 2023

Notes – 2011

Exposition à la Diagonale
Rome

A propos de mon process (ou processus) de travail.

Dans mon travail j’élabore des séries. Je conçois chaque ensemble de travail comme une série.

Lorsqu’il s’agit de tableaux, je décide du nombre de pièces qui constituera l’ensemble, ainsi que leur format.

Je prépare moi-même les support, tends les toiles sur châssis et les encolle, les toiles que je choisi sont particulièrement fines, avec une trame très légère, car je souhaite que la peinture n’accroche pas mais glisse sur le support, comme un écran.

Puis, j’interviens sur le support posé au sol, en jetant de la peinture à l’huile, préparée au préalable dans des pots. Avec la peinture-couleur ainsi jetée, je mets à distance le geste peint, la couleur arrive sur le support sans que ma main l’ai posé, au sens où ma main n’a pas de contact avec la toile à ce premier moment, ce ne sont pas des touches de peinture, je peux jeter autant de couleur que je le souhaite, par gouttes, indépendamment de la réserve maximale de peinture que peut contenir un pinceau.

Puis, au moyen d’un pinceau très large (pinceau de bricolage d’environ 20cm de large), j’étire la couleur. Par cet étirement j’affirme alors un geste peint et je rassemble, uni, réuni chaque endroit où la couleur s’est posée, une réunification pour percevoir et dire la totalité du plan du tableau.

C’est cette totalité qui m’importe, cette totalité qui interroge le all over et la tentation du monochrome.

J’ai cette tentation du monochrome où la couleur seule s’affirme.

Pour que la couleur soit, elle est auparavant faite de plusieurs qui assemblées et mêlées ne deviennent plus qu’une. C’est ainsi que je considère la couleur quand je la décide sur le plan du tableau. Les couleurs sont plusieurs mais elles tendent, en étend ainsi rassemblées en un geste circulaire et répété, vers une couleur seule que je sais multiple. (Je tente de la considérer comme seule, parfois non nommable tellement elle est multiple et donc complexe).

Je n’ai pas une réflexion sur la couleur selon un parcours théorique. La couleur est pour moi essentielle, je l’avance, l’étudie, je la joue par pure plaisir, rencontre et intuition. Elle n’a pour moi de réalité que lorsqu’elle est éprouvée sur un support.

A force d’intervention (une couleur jetée puis un étirement de la matière), chacune des strates de peinture constitue un fond constitutif du tableau et est constamment remis en question par le passage coloré suivant. Chaque strate est constitutive, elle est une affirmation de la couleur que j’ai décidé avant de la poser. Chacune des couleurs, successives, ainsi superposées et étirées, s’affirme et se modifie. Il s’agit d’assemblage de couleur unifié par un geste.

Les couleurs, petit à petit modifiées, induisent des vibrations, deviennent dessous et imposent l’approche d’une profondeur.

C’est alors une alternance entre la planéité de la surface redite par les passages successifs et l’apparition – affirmation de la profondeur, qui laisse incertain le regardeur.

M’importe cette relation ambiguë entre plan et profondeur mais, au lieu d’être antithétique, je crois y trouver un accord.

Le geste est pour moi l’affirmation du geste peint, il ne peut être signe et se distingue donc du signe.

Si je donnais une importance particulière à un endroit du tableau, sans doute pourrait apparaître un quelque chose de l’ordre du signe. Mais, mon intention et mon envie sont trop fortes pour ne pas tendre au all over. J’ai cette nécessité de considérer chaque endroit du tableau avec la même intensité, afin que le regard circule et ne s’arrête pas, afin que le regard ne cesse de se déplacer. Le geste que je décide est fluide et ciculaire, je l’apparente à un corps en mouvement, léger qui n’éprouverait pas la pesanteur, l’effet d’apesanteur.

J’affirme et parfois sur-affirme mon geste (surtout dans les derniers tableaux) après le jet et la dispersion des couleurs (quand je suis debout, au-dessus du plan horizontal posé au sol et que je jette les couleurs préparées très liquide, une à une depuis le bol, sur un pinceau et «  drippées » (de dripping)). Ces gestes sont autant d’inscriptions qui de manière continue se lient.

Puis je redresse le support et et je discute avec ce qui m’est donné à voir !

Parfois d’autre étapes-strates s’impose, jusqu’à ce que le tableau s’affirme.

Pour les dessins, la quantité de support (le nombre de dessins) n’est pas décidée par avance mais les formats seront toujours identiques pour un même série.

Contrairement au tableau où j’emploi toujours les mêmes médiums et outils (peinture à l’huile, white spirit pour forcer la matité qui fait écran, un pinceau de taille moyenne pour les mélanges et un autre très large pour réunir), sur papiers je ne cesse de multiplier les outils afin que se joue à nouveau ce principe de superposition et là encore du « tout partout » avec la même intensité, l’idée du all over reste omniprésente ;

Une série est bouclée à partir du moment où je pense ma règle du jeu totalement maîtrisée. Si je la trouve totalement maîtrisée je risque la répétition et les risques pris sont amoindris, il en va de même pour le jeu.

Alors je décide d’une nouvelle série et je tente un complet recommencement. Je me donne à croire que je ne sais plus et là s’impose à moi un nouveau jeu où finalement très vite tout ce que je met en place se lie avec la série qui précède et les questions restent les mêmes.

Les questions que je me pose n’attendent pas véritablement de réponses, elles restent ouvertes, elles sont le cadre que je donne à mes expériences.

Je pense à l’art abstrait américain des années 60 : à Franck Stella, Mark Rothko, Brice Marden, Kenneth Noland, mais aussi à

Imi knobel (du point de vue d’un enchevêtrement formel),

Martin Barré (et ses constructions si sensibles et formelles) et

Manet pour des raisons qui semblent contraires ( !) (La véritable jouissance de la touche sensible et sensuelle de la peinture) et

(Les espace où alternent planéité et profondeur) chez Giotto.

Je numérote me tableaux un à un selon leur ordre de fabrication « Tableau n° », ainsi, le titre ne fait qu’affirmer le tableau pour ce qu’il est, il n’a pas d’autre fonction que de pouvoir être distingué d’un autre. Cela n’engage aucune interprétation.

Les dessins à l’inverse, je les nomme, par série et par numéro, les titres sont en comparaison quasiment lyriques. Le titre était d’abord assez descriptif (assemblage verticale de 2 carrés) et est devenu plus, j’ose dire, poétique et amusé, car la part de jeu est encore là, (lignes torves, herbes over, bombes over…).

Donc je ne travaille pas dans la direction de thèmes.

Je travaille mon travail qui se trame, questionne, s’affirme, s’économise, se charge, s’éclaircie, se pose….interroge

Le projet que je veux développer dans l’Exposition à la Diagonale ?

Une présentation au plus près de mes propositions-interrogations au moyen d’un accrochage rigoureux, afin que les travaux dans leur relation entre eux instaure et impose une tension, du côté de ce qui est tendu, tenu et affirmé.

Mon travail accroché en les 4 espaces distincts de la galerie aura l’objectif de donner à percevoir le lien, la ligne commune à cet ensemble, encore une fois, fait de plusieurs, comme il en est de la construction de chacun des travaux fait d’interventions plurielles.

Marine Duboscq.

Texte de Leslie Compan, critique d’art

Texte de Leslie Compan, critique d’art

Texte extrait du catalogue de l’exposition
Trois

Galerie Diagonale – Rome, mai 2010

L’œuvre de Marine Duboscq est essentielle. Vécue dans la nécessité d’un geste pictural, indéniablement, l’œuvre de Marine Duboscq est bien avant cela une œuvre de fondements ; une œuvre qui vient à l’essence même de ce qu’est la surface peinte, à ses essences : les couleurs. Simultanément travaillées, elles apparaissent comme autant d’entités libres qui ne vivent pour autant pas isolement, pas seulement pour leur qualités intrinsèques, dans l’espace pictural. Arguant du postulat contraire, les couleurs appliquées par l’artiste interagissent précisément dans leur différence, les unes par rapport aux autres, pour former une véritable totalité colorée.

Les couleurs sont considérées comme autant de signes, d’entités graphiques dont le sens propre évolue au fil des contextes qui lui sont successivement donnés : ceux, toujours renouvelés, des espaces picturaux. Là, d’abord dispersées en gouttes sur la toile, elles sont ensuite reliées de gauche à droite, au hasard du proche en proche, par le passage aussi fugitif qu’intentionnel du pinceau. Véritable instrument pictural, le pinceau de Marine Duboscq est celui d’une intelligence sensible, qui combine les divers signes colorés, ces essences autonomes, et qui accompagne la composition d’une trame générale, littéralement stratifiée par les multiples tracés. Les entrelacs, les nœuds, les étirements de peinture mate, retenue, sont poursuivis, à la fois systématiquement et sous forme de chromatismes, d’un tableau à l’autre. Décrivant ainsi, bien plutôt qu’un motif, un lexique, aussi ouvert que construit. À la fois sémiotique et intuitive, l’œuvre de Marine Duboscq est littéralement une peinture composée, entendant ici avant tout le terme d’une écriture, musicale, poétique ou picturale soit-elle ; une peinture à partir de laquelle se compose véritablement une pensée en cours et en acte.

Ce qu’il est, par avance, nécessaire de constater en tant que lecteur de cette pensée écrite et présentée à nos yeux, c’est précisément que nous ne sommes pas exclus de ce processus. Car, comme pour toute forme d’énonciation, s’il y a un allocutaire, en l’occurrence Marine Duboscq, il y a forcément un interlocuteur, c’est-à-dire nous. Pourtant si cette pensée formulée est donnée véritablement à voir, ce n’est pas pour être limitée au regard furtif et rapide. Car pour en saisir, tant l’intelligence de ses fondements que l’imprévisibilité de ses développements, il faudra surimposer, à ces espace picturaux, de multiples temps, comme autant de regards posés sur l’œuvre. Au premier temps, les signes constitutifs du lexique pictural ne forment qu’une seule entité, qu’un seul bloc coloré qui confine assurément au monochrome, tant les variations des intensités picturales sont faibles. Au fur et à mesure, les lignes de couleur apparaissent et l’on discerne les combinaisons dynamiques, évoluant dans de larges plans linéaires et horizontaux qui font véritablement écran. Plus tard encore, la profondeur de la surface peinte se dévoile, non pas dans les termes perspectifs qui regardent la peinture figurative mais dans la superposition successive des plans horizontaux désignés, jouant ainsi des profondeurs frontales multipliées.

La peinture de Marine Duboscq est une œuvre ouverte qui, à l’instar de Marthe Wéry, vient aux essences de la peinture en tant qu’acte de pensée en construction. Poursuivis non par un geste expressionniste, ostensiblement subjectif et instantané, ses fondements sont ceux d’une dialectique pure. C’est-à-dire d’une mise en dialogue qui relie l’œuvre au regardeur ; qui relie l’œuvre aux recherches picturales des historiques prédécesseurs, comme Frank Stella ou encore Barnett Newman, sur lesquels elle prend souche.

Leslie Compan.

Notes – 2023

Notes – 2009

Mon travail joue avec la couleur,
pour produire des tableaux, des espaces autonomes, des ensembles de tableaux, des papiers et des dessins.
Les propositions se modulent en fonction de l’espace d’accrochage.

Je peins des plans de couleur à l’image de monochrome.
Je pense la couleur comme une image possible de monochrome.
Je peins des tableaux où le geste s’affirme par succession, association, affirmation, effacement, recouvrement ou annulation.

La surface peinte est lisse.
La surface peinte est mate et souligne le plan du tableau en faisant écran.
La surface peinte ignore la profondeur, ou feint de l’ignorer.

Chaque travail peut être nommé par sa couleur.
D’une succession de gestes, de traces, de taches, de gouttes, de lignes et de dispertion des couleurs,
résulte une couleur seule.

Lorsque je travaille des tableaux seuls et autonomes, le regard doit se poser de tableau à tableau.
Les formats sont multiples.

Lorsque je travaille des pièces faites de plusieurs, chacun de ces plusieurs sont des plans colorés aux modulations infimes et multiples, où une couleur quasi unique s’affirme pour s’associer aux autres plans et, rejouer une composition interne propre au tableau.
Ces plans, comme des modules, assemblés par formats identiques, jouent un jeu de construction, de correspondance et de discordance.
Le choix des couleurs et des assemblages s’impose pendant la durée du travail.

Les dessins présentés par série se suivent et se lient.
Se rencontrant, ils jouent, interrogent, agaçent, persistent, raisonnent, amusent, rythment, structurent et proposent.

Je propose des morceaux de peintures, ce sont des réalités autonomes, qui s’assemblent.
Des propositions qui tentent de rester ouvertes.

Marine Duboscq.